martes, 2 de diciembre de 2008

IV Simposio del posgrado en artes visuales

IV SIMPOSIO DEL POSGRADO EN ARTES VISUAES
"Procesos creativos en las artes visuales,
el diseño y la comunicación visual"

Reporte crítico de conferencias

El pasado 18, 19 y 20 de noviembre, se llevó a cabo en la Facultad de arquitectura el IV SIMPOSIO DEL POSGRADO EN ARTES VISUALES, esta vez con el tema “procesos creativos en las artes visuales, el diseño y la comunicación visual”.
En el marco de este evento se tocaron diversos puntos de vista sobre el cómo los profesionales de las artes visuales, el diseño y la comunicación gráfica, logran llevar a cabo su labor gracias a diversos procesos que han desarrollado a lo largo del trabajo como productores, o bien como académicos, y algunos otros en los dos ámbitos.

Los temas fueron variados, desde los que hicieron énfasis en la transmisión de su experiencia académica como: el Maestro Luis Betancourt Santillán con su ponencia "Andamiajes creativos en las artes y los diseños", el Maestro Gerardo Suzán Prone con la ponencia "Método y sistemas para los procesos creativos en la comunicación visual", el Maestro Francisco Javier Tous Olagorta con la ponencia "Una aproximación reflexiva sobre el proceso creativo tridimensional", el Maestro Lauro Garfias Campos con la ponencia "Creatividad y educación", algunos otros con un aspecto metodológico como el Maestro Marco Antonio Albarrán Chávez con la ponencia "Investigación, creación y producción en las artes. Delimitaciones, articulaciones y aspectos metodológicos", otros que tocaron temas como el profesional enfrentado al campo laboral como la impartida por el Maestro Juan Manuel Marentes Cruz con la ponencia "Del oficio artístico a la socialización del arte" y algunos mas que optaron por abordar los procesos creativos desde pensamientos mistico-filosóficos como el desarrollado por el Maestro Ignacio Salazar Arroyo quien trato el tema "Zen y creación".

Comenzaré con el Doctor José Manuel Guillén Ramón los Maestros Luis Betancourt Santillán y Gerardo Suzán Prone. Ellos abordaron el problema de la creatividad desde su experiencia como profesionales y como la ciencia y la formación universitaria permite una educación multidisciplinaria que enriquece el panorama de nuestra casa de estudios, al formarse como Ingenieros y trabajar en diseños gráficos que complementen la educación científica por poner un ejemplo, o diseñadores que se ven involucrados en ilustración anatómica y con ello facilitan la labor de un campo de conocimiento distinto y con necesidades especificas diferentes al de su formación, filósofos que estudian ingeniería industrial y que hacen uso de la poesía y el pensamiento lógico para resolver problemas de una forma distinta a la que se ha venido dando en ese otro nicho de conocimiento, etc.

El estado de ánimo no está excluido de la investigación y de hecho metodología mas búsqueda personal son lo que completan la experiencia profesional.

No olvidemos que las producciones más interesantes surgen de momentos de crisis, como ejemplo podemos mencionar a Edward Munich con su obra “El grito”, “el Gernica” de Picasso, etc., ¿Por qué relegar lo que sentimos de lo que hacemos?, mejor hay que aprender a hacer uso de ello, arte y ciencia se encuentran interrelacionados, solo hace falta un aspecto técnico para que el diseño sea correcto.

La ponencia del Maestro Francisco Tous Olagorta "Una aproximación reflexiva sobre el proceso creativo tridimensional", destacó la importancia de la forma tridimensional donde se evidencia quizá por resultar un producto volumétrico palpable con mas eficacia, sin que por ello se denoste las otras disciplinas,de hecho en el proceso de una escultura se recurre al dibujo, la pintura, la fotografía, la arquitectura entre otras, así que se puede decir que es multidisciplinaria.
Todo espectador de una ora escultórica cree comprender lo que tiene delante de si al percibir un producto terminado, pero pocos han tenido la oportunidad de visitar un taller y acercarse al proceso de realización de una obra que implica una habilidad y esfuerzo mental y físico por parte del artista para desarrollar una obra tridimensional.
Aún hoy día donde el conceptualismo y otras tantas tendencias se han adoptado, muchas de las prácticas tradicionales se conservan, por medio de realizar dibujos y maquetas donde se aproximarán al objetivo deseado y se ensayará la viabilidad de éste, razón por las cuales son importantes y no deben de ser desechadas.
Se presentó el desarrollo de una obra escultórica, desde la observación en formas naturales como en su caso un aguacate, una concha y un caracol, los cuales tenían en común el contenedor y el contenido, se continuó mostrando el proceso por medio de bocetos previos tanto de la piedra como de las propuestas a realizarse en el bloque, para luego continuar con maquetas que mostraban el posible resultado de lo proyectado bidimensionalmente, a continuación se mostró el trabajo directamente sobre la piedra y la adaptación de un elemento ajeno e industrial que contrastaba con el original artístico, este dió como resultado una obra en mármol blanco con reminiscencias a los moluscos que contenía una esfera de onix producida en serie.

El señalar la importancia de la secuencia de un proceso planeado desde la observación, concepción y realización de una pieza, aporta al principiante elementos que lo orientan sobre un problema específico y que se pueden trasladar a distintos campos de conocimiento, fue una herramienta didáctica directa la que se presentó y que causo interés en la audiencia.

La ponencia del Maestro Juan Manuel Marentes Cruz "Del oficio artístico a la socialización del arte", tocó un tema del que poco se habla en las escuelas pero que es básico al momento de que el egresado se enfrenta al mercado laboral, carente de herramientas y experiencia en lo que la sociedad demanda, la preparación en relación a trabajo multidisciplinario es muy importante y requiere de disposición y organización en equipo el cual no se fomenta en el aula; por otra parte el estudiante tiende a la individualización y esto obstaculiza el que pueda adecuarse a las condiciones que se requieren actualmente en el arte, además de que trabajar en conjunto facilita y agiliza los procesos de trabajo con la consecuente experiencia que puede implicar el tener contacto con otros campos de conocimiento y cada vez estar mejor preparado para responder a cualquier reto que se le presente.
El artista debe saber que es lo que quiere y hacia quien está dirigida su obra, ya no es tiempo de sentirse rechazado y excluido de la sociedad porque hay que reflexionar que si la sociedad lo margina es porque antes el se margino de ésta, en vez de insertarse con sus ideas y aprovechar los recursos que le puede brindar para realizar su trabajo.
Se debe saber como convencer a las personas de la viabilidad de su proyecto y de esta forma, teniendo bien claras las bases teóricas y prácticas de lo que hace y desea hacer, llevar a cabo obras de gran escala incluso como lo hace Cristo, por ejemplo, al cubrir totalmente un edificio público, o los artistas que realizaron el espacio escultórico o la ruta de la amistad.
El artista debe ser capaz de representarse a si mismo y poder realizar su obra, debe de estar conciente que desarrolla un valor útil ,ya que si él mismo no está convencido, el producto no es útil y se desecha.

El Maestro Felipe Mejía Rodríguez con su ponencia "El tema de la creatividad en las tesis de grabado de la Maestría en Artes Visuales de la ENAP", se intereso por investigar el número de tesis en los últimos años donde aparece la palabra creatividad, creativo, y algunas derivadas y sinónimas y nos mostró estadísticamente el aumento y disminución del interés en el tema que sin embargo no se advierte un patrón específico que nos lleve a pensar por que razones fluctúa este tópico a lo largo de los años estudiados.
Nos propuso un tema de investigación que puede ser interesante y que hasta el momento nadie se ha dado la tarea de realizar.
Todo este estudio que generó el Maestro Felipe lo llevó a la conclusión, que no existe una sola línea de investigación de la creatividad sino tres líneas que comprenden el productor, el mediador y el receptor.

El Maestro Lauro Garfias Campos con la ponencia "Creatividad y educación", presentó algunas de las bases del constructivismo, el cual comprende una serie de metodologías de diversas corrientes enfocadas a hacer significativo el aprendizaje, el constructivismo comprende el conductismo, la memorización y la experimentación, parte de la idea de los conocimientos previos del alumno y toma al profesor como un facilitador de conocimientos y un modulador que junto con el alumno realizará una serie de pasos encaminados a que el alumno sea capaz de auto educarse y genere sus propios métodos de aprendizaje. También la evaluación es una tarea compartida y se debe de evaluar constantemente por medio de cuestionarios, mesas de discusión, trabajo en equipo, etc., no solo cuantitativamente sino cualitativamente. En el constructivismo se involucra al alumno y a la sociedad como parte fundamental de su educación para como se dijo más arriba hacer del aprendizaje algo no solo memorístico sino significativo.
El tema no resulta inadecuado ya que en México está de moda desde hace aproximadamente 9 años el constructivismo, aunque se debe tomar en cuenta que es un método que se generó hace mas de 35 años en Europa y que ya esté rebasado ampliamente en ese continente, además que las condiciones socio-económicas y políticas son muy diferentes en México que en paises del viejo continente.

El Maestro Marco Antonio Albarrán Chávez con la ponencia "Investigación, creación y producción en las artes. Delimitaciones, articulaciones y aspectos metodológicos", planteó una pregunta que continuamente se hace el artista, sobre la cual desarrolló su tema:
¿Qué hacer, producir, investigar o ambas cosas?
En el medio del arte se ve al artista muchas veces como el simple productor de obras asombrosas pero que al no ser capaz de expresar lo que significan o sustentarlas teóricamente, pasa a un segundo plano de importancia sobre el producto que es lo que cobra importancia.
A la crítica de arte se le considera investigación pero no lo que produce el artista. Esta tendencia la observamos desde la antigüedad donde Platón despreciaba al creador de las obras por ser un procurador de engaños por medio de su habilidad pero que solo genera burdas imitaciones del verdadero arte que es el pensamiento.
Hablo del término Techné un término griego y el juego de habilidades y que las formas de investigación propias a éstas son las que originan las obras y que no son comparables con las de la ciencia, ya que cada una tiene sus métodos propios; el arte no debe centrarse a las técnicas de investigación científica.

El artista debe entender lo que hace como productor para hablar de investigación, es decir una vez que entiende y sistematiza el conocimiento que adquirió gracias a sus realizaciones puede fácilmente explicar como logró los resultados que se propuso.
Pero el juego, la intuición y la habilidad no son el único factor que debe tomar en cuenta el artista, en su hacer debe de haber un hábito, disciplina y concepto.

Horacio Castrejón Galván
Noviembre de 2008

"Yo soy mi obra"

Ensayo sobre la exposición de
Ángela Gurria

“Yo soy mi obra”

Con ese título se presenta en la ciudad de México en el atrio de San Francisco la escultora Ángela Gurría quien nos presenta esculturas en piedra, hierro, bronce, es una exposición que trata de ser una especie de retrospectiva porque las piezas que ahí se presentan son muy variadas y evidentemente de distintas épocas a su vez que soluciones de trabajo tanto material como compositivo.
Estudió letras españolas en la Facultad de Filosofía y Letras y luego escultura de manera autodidacta y posteriormente continuó con los escultores Germán Cueto y Abraham González, en 1973 se convierte en el primer miembro femenino de la Academia de Artes, se considera que la artista siempre guarda un nexo con la naturaleza a pesar que algunas de sus formas sean casi abstractas, también se le encuentra un nexo importante con las culturas prehispánicas y un poco del espíritu de la artesanía mexicana.
Desde mi punto de vista la escultora mas que basarse en la naturaleza, hace una síntesis de los modelos en los que se basa, creando una estilización de formas que al ser sintéticas la gente las interpreta como abstractas.
En su gran mayoría si comulgan cercanamente con la artesanía mexicana, de hecho en ocasiones se vuelve un tanto naïf o ingenua como los jaguares de mármol o, en especial con la serie de flores de cantera que se podría decir hasta ornamentales, o el cactus metálico que mediante un sistema modular nos describe con toda claridad la planta en la que se basó para realizarlo, volviéndose mas una señalización tridimensional que un estudio y abstracción del modelo.
Existe otra serie en la cual la intención es buena pero la solución técnica y formal queda corta para poder concluir con fuerza como en la serie de los aguajes, donde tanto las formas que sugieren el ganado sumergido en el agua no está bien definido al igual que la intención de haber dejado la huella de la copa de desbaste para simular el oleaje del agua creado por el movimiento del rebaño, sin embargo son piezas que marcan una verdadera búsqueda y en todo caso sirven como archivo tridimensional que abre una posibilidad más en la escultura y que algunos de los sucesores aprovecharán con buenos resultados.
Una serie que es importante por la síntesis que alcanza por la combinación entre síntesis, figuración y decoración es la de las aves donde se logra un buen equilibrio de las formas al observar en la parte de atrás un ovoide interrumpido por un elemento decorativo que se asoma entre la forma predominante por medio de una suerte de gotas que son la cola del ave y nos obliga a rodear la obra para resolver el enigma de esta irrupción y al verla de lado observamos el movimiento de las alas culminando al frente con la referencia de la cabeza y el pico del ave, me parece que este es un gran acierto de la escultora que trabaja con una escultura de bulto redondo sin tener que recurrir a la espiral estilo Rodin.
De esa manera nos crea un nexo con la escultura prehispánica que por cierto es una las fases mejor logradas de Angela Gurría al trabajar con formas masivas pero con elementos ornamentales bien definidos.
La serie de mariposas tiene un verdadero vínculo prehispánico y aún cuando trabaja con mármol en algunas de sus estelas los elementos modulares y el contraste pulido en ciertas áreas y rugoso en otras le confiere mucha fuerza y peso, es este sentido que la obra de la escultora se puede relacionar con la obra de Federico Silva quien también retoma el carácter prehispánico pero llevándolo a un lenguaje universal tal como lo hizo Rufino Tamayo mediante su pintura, solo que en el caso de estos escultores la relación es mas inmediata con las formas tradicionales pero aportando contemporaneidad a la propuesta.
Otra fase significativa son las piezas Nube y el Tepozteco, donde en la primera, a partir de un gran bloque de mármol con incisiones sucesivas, nos deja ver los diferentes paneles con formas irregulares que contrasta por medio del acabado pulido y rugoso estos niveles generando movimiento, suavidad y dinamismo. En la segunda los bloques que se suceden hacen una cadena que se relaciona por formas y tratamiento, a pesar que en ocasiones hay una discontinuidad entre una pieza y la siguiente, aunque eso no impide la monumentalidad y fuerza del conjunto.

La nube, 1973
Talla directa en mármol
138x230x42 cm
En palabras de la curadora Miriam Kaiser (página de oncetv, lunes 25 de agosto, http://mx.news.yahoo.com/s/080825/40/gk6z5j.html) "Aquí, en esta vez que casi son 30 obras, no vamos a ver la figura que también la ha trabajado, no vamos a ver arte abstracto que también lo ha trabajado, porque le quisimos hacer un homenaje a la naturaleza", me parece que temáticamente si existe ese vínculo pero no formalmente por lo que mas arriba se comento sobre los diferentes formas de abordar un mismo tema y en tiempos y circunstancias que variaron.
Cuando deciden titular la exposición con el nombre de “Yo soy mi obra”, nos habla de una voluntad de expresarse plenamente y sin dudar en abarcar múltiples facetas e intereses reflejando la personalidad de la artista y dejando una traza de la feminidad con la que resuelve sus esculturas como todo artista que se ve enfrentado tanto al ejercicio libre creativo, tanto como a la resolución de un encargo con condiciones específicas de tema, material o ubicación las cuales se tienen que resolver de diferentes maneras, Ángela Gurría lo expresa de la manera siguiente:
"Soy geométrica, abstracta, figurativa, según lo requiere el espacio, trato de no repetir figuras. He hecho modelado, tallado en piedra, también escultura a nivel de paisaje; ahora señalo los grandes sistemas de construcción”, Artes e Historia México,http://www.artshistory.mx/pieza_mes/index.php?id_pieza=18082004104731.



La obra de Ángela Gurría es un documento importante por la trayectoria que ha tenido a nivel nacional e internacional y por el contacto con otros artistas en la ruta de la amistad como Helen Escobedo, Mathias Gheritz, Alexander Calder, Germán Cueto y otros, además de su desarrollo puesto que en México existen contados ejemplos de escultoras que hayan destacado al nivel que ella ha logrado hacerlo.
Horacio Castrejón Galván

El camino de un proceso escultórico

El camino de un proceso escultórico


El proceso creativo para cualquier obra no comienza en el momento donde técnica y materiales se conjugan para dar paso a un intercambio de concepto y realización, la historia remonta más allá de ese momento, es la suma y fruto de múltiples hallazgos y reflexiones que alrededor de una inquietud personal se extraen de la naturaleza, del medio que nos rodea y de experiencias vividas y asimiladas con las cuales poco a poco se conforma el lenguaje plástico personal.

Textura, volumen, color, materiales, formas, contrastes, etc., cada artista va seleccionando los elementos que requiere para realizar el objeto; a su vez todos estos elementos están relacionados íntimamente con el concepto que se maneja y juntos dan vida a la obra.
Puesto que cuando se trata de describir el desarrollo del proceso creativo nos topamos con un sin fin de formas de abordarlo, me circunscribiré a la manera que en mi caso se ha dado origen y obra plástica.

Debo mencionar desde el punto de partida cual sesión de psicoanálisis en un diván, que remontándome a los orígenes todo comenzó en el jardín de la casa y con las múltiples salidas de campamento y excursión que solía hacer con mis padres, donde tuve la oportunidad de estar por largas horas días e incluso meses en contacto con la naturaleza, sin embargo el medio que me rodeó siempre fue el urbano, pero no por ello dejé de percibir algunos aspectos que ya habían captado la atención como las marcas de la erosión y las huellas que dejaba el paso del tiempo sobre todo material ya fuera natural o urbano.

La textura ondulante que se imprime en una caracola marina por el ir y venir del oleaje, la redondez de una piedra de río producto del incesante paso del agua hasta curvar sus aristas, la acumulación de tierra que va dejando el viento al toparse con un obstáculo. Las fisuras que van apareciendo en el cemento expuesto a la intemperie, el trazo ocre o rojizo que un clavo metálico deja sobre un muro, las paredes que van perdiendo a pedazos parte del aplanado dejando una apariencia muy diferente de la planeada originalmente por el arquitecto, la perforación que produce el continuo goteo del agua sobre la banqueta.


Luego también tenemos el nexo entre el medio natural y lo urbano, o digamos, elementos creados por el hombre y que conviven de maneras en ocasiones simbióticas y otras no tanto, pero hoy día es inevitable estas inclusiones de un mundo en el otro haciéndonos reflexionar que uno es complemento del otro y que incluso algunos arquitectos han hecho uso de este fenómeno para provocar otro aspecto a sus edificios y patios, ejemplo de esto en México es el edificio del arbolito en periférico pasando avenida reforma hacia el norte, donde se hace un contraste entre la fachada de espejos en un edificio que es solo un cubo y el elemento orgánico del árbol que sobresale de éste, idea que ya anteriormente había manejado el artista Hunderwasser con sus azoteas verdes en Austria y que últimamente se han puesto de moda; otro ejemplo lo tenemos en la creación del adopasto que conjuga la mampostería horadada por la cual permite el crecimiento del pasto y a su vez lo circunscribe, efecto que también podemos observar en la explanada principal de entrada a ciudad universitaria, o los jardines verticales que se pueden encontrar incluso en el centro de nuestra ciudad.

También tenemos la irrupción de árboles y plantas que crecen de manera no planeada entre los intersticios de edificios, fisuras de banquetas y cualquier otra concavidad que permita acumular un poco de tierra donde echar raíz; o las ciudades abandonadas que encontramos en Chiapas los cuales ahora están cubiertos de tierra y plantas, o las plataformas petroleras a las cuales se adhieren miles de moluscos que hacen de esta estructuras su refugio.

Todas las observaciones realizadas desde mucho tiempo atrás forman parte del archivo de imágenes que conforma la obra y que mas tarde derivan en propuestas plásticas y de alguna manera en la escultura, que es lo que llamamos influencias a lo que se suma la forma personal con que se retoman estos motivos, obviamente que también tienen que ver artistas que anteriormente han tenido las mismas inquietudes y que son una guía para abordar la forma, en el caso de mi obra puedo decir que Kiyoto Ota, Chillida, Constantin Brancusi, Auguste Rodin, Hunderwasser, como punto de partida general y algunos más contemporáneos que unen lo natural y lo urbano por medio de obras efímeras donde conviven estas dos atmósferas, así encontramos a Andy Goldsworthy, Nils-Udo, y Bob Verschueren interviniendo bosques, manglares y llanos con una reorganización de los elementos naturales en la naturaleza, o bien estructurándolos conforme a un entorno arquitectónico dándole un nuevo sentido al espacio donde se encuentran y relacionándolo con lo vegetal.
En este sentido un movimiento que amalgamó este sentido de lo vegetal y la erosión llevado al objeto urbano fue el Art nouveau, donde se puede observar el trabajo de la superficie de una forma distinta a la que habían acostumbrado hasta ese momento y que Rodin habían trabajado en sus esculturas, al respecto de este carácter Krauss nos menciona:

Como en la escultura de Rodin y Rosso, en las superficies de estos objetos se hallan pruebas del proceso externo que les ha dado forma. Están realizadas de tal manera que sentimos que estamos mirando algo que debe su forma a la erosión del agua sobre la roca o a la huella de las olas sobre la arena o a los estragos del viento; en resumen, a la acción que imaginamos de fuerzas naturales sobre la superficie de la materia. Al conformar estas sustancias del exterior, tales fuerzas operan sobre el material con independencia de la estructura intrínseca. Krauss, (2002), p. 45


De hecho mas que considerar que están haciendo Land-Art, ellos lo definen como arte vegetal, puesto que los elementos naturales cambian constantemente, se secan, se contraen, se tuercen, etc. dejando una huella de este proceso en pocos días.
¿Pero como se lleva a cabo una obra efímera?, lo principal es el material a trabajar y de acuerdo a este y sus características se hace una propuesta plástica, movimiento, espacio, formas positivas, formas negativas, etc., así como también color, temperatura, y en ocasiones hasta las condiciones climáticas.